Coloreadas
2022 – en curso
Acrílico sobre impresiones en blanco y negro en papel Hahnemühle.
Dimensiones variables.
← Back to English
En la serie Coloreadas, aplico pintura acrílica sobre reproducciones fotográficas en blanco y negro de obras pertenecientes a los movimientos de vanguardia de los años sesenta, especialmente aquellos vinculados al arte conceptual. Con este gesto, reflexiono críticamente sobre el papel de la fotografía, que bajo una aparente objetividad apoyó el deseo —ya histórico— de desmaterializar la obra de arte. Estas copias estandarizadas, distribuidas por los museos, contribuyeron a establecer una estética supuestamente neutral que, sin embargo, estaba cargada de implicaciones ideológicas y normativas. Al reintroducir el color —despreciado entonces por sus connotaciones decorativas o “femeninas”— busco devolver la subjetividad al corazón de la historia del arte.
Más información
Esta serie reflexiona sobre las implicaciones ideológicas del uso del color a través de mi intervención en una selección de obras de la Historia del Arte reciente, mediante el gesto de colorearlas de forma manual.
El arte conceptual tomó el lenguaje y la fotografía como medios primordiales en sus diferentes manifestaciones. En la documentación fotográfica derivada del eclecticismo disciplinar de este movimiento, se cumplieron una serie de preceptos restrictivos no escritos, como lo son los de no recortar, no editar, no posar, o la ausencia de color. Mediante estas particularidades que se perpetuaron en las obras objeto de estudio, se persiguió mantener una ideología de la neutralidad donde estas imágenes se erijieran como verdades incuestionables, quizá derivada de la falsa apariencia cromática del legado de la escultura y la pintura clásica, pero también reaccionaria a la hegemonía de la plástica visual de Greenberg imperante en los años de mayor ebullición del arte conceptual.
El arte conceptual, desde sus inicios en los años 60, y en su búsqueda de huir del objeto artístico autónomo y la obra de arte como mercancía, tomó el camino de la desmaterialización. Paradójicamente, acabó convertido en documentación fotográfica y, en esta transubstanciación, perdió el color. Estas gelatin silver prints fueron coleccionadas en los museos de todo el mundo y la estética del blanco y negro –presuntamente neutral, objetiva y seria– se confundió inevitablemente con los presupuestos de este movimiento.
Como cuando somos niños, antes que dibujar o pintar, aprendemos a colorear. Pero el color también se ha asociado frecuentemente a algunas cualidades históricamente atribuidas a lo femenino: frente a la línea y lo incoloro atribuido a la razón y el pensamiento, el color se posiciona como lo superfluo, lo incontrolable, lo decorativo. El coloreado de la fotografía antigua se encargaba, también, a mujeres. Se trata, por tanto, de un trabajo postfotográfico en el que busco rendir homenaje a mis referentes históricos, a la vez que poner a prueba mis habilidades manuales, incluyendo mi propia subjetividad en el proceso.
Esta serie reflexiona sobre las implicaciones ideológicas del uso del color a través de mi intervención en una selección de obras de la Historia del Arte reciente, mediante el gesto de colorearlas de forma manual.
El arte conceptual tomó el lenguaje y la fotografía como medios primordiales en sus diferentes manifestaciones. En la documentación fotográfica derivada del eclecticismo disciplinar de este movimiento, se cumplieron una serie de preceptos restrictivos no escritos, como lo son los de no recortar, no editar, no posar, o la ausencia de color. Mediante estas particularidades que se perpetuaron en las obras objeto de estudio, se persiguió mantener una ideología de la neutralidad donde estas imágenes se erijieran como verdades incuestionables, quizá derivada de la falsa apariencia cromática del legado de la escultura y la pintura clásica, pero también reaccionaria a la hegemonía de la plástica visual de Greenberg imperante en los años de mayor ebullición del arte conceptual.
El arte conceptual, desde sus inicios en los años 60, y en su búsqueda de huir del objeto artístico autónomo y la obra de arte como mercancía, tomó el camino de la desmaterialización. Paradójicamente, acabó convertido en documentación fotográfica y, en esta transubstanciación, perdió el color. Estas gelatin silver prints fueron coleccionadas en los museos de todo el mundo y la estética del blanco y negro –presuntamente neutral, objetiva y seria– se confundió inevitablemente con los presupuestos de este movimiento.
Como cuando somos niños, antes que dibujar o pintar, aprendemos a colorear. Pero el color también se ha asociado frecuentemente a algunas cualidades históricamente atribuidas a lo femenino: frente a la línea y lo incoloro atribuido a la razón y el pensamiento, el color se posiciona como lo superfluo, lo incontrolable, lo decorativo. El coloreado de la fotografía antigua se encargaba, también, a mujeres. Se trata, por tanto, de un trabajo postfotográfico en el que busco rendir homenaje a mis referentes históricos, a la vez que poner a prueba mis habilidades manuales, incluyendo mi propia subjetividad en el proceso.
Créditos
Vistas generales y detalles de la exposición Cristina Garrido. Pinturas, The Goma (Madrid, 2022). Imágenes: Roberto Ruiz.
[Coloreadas] Carole Schneeman, Interior Scroll (2022). 35 x 27,5 cm.
[Coloreadas] Gordon Matta-Clark, Splitting (2022). 56 x 65 cm.
Vistas generales de la exposición Cristina Garrido. The White Cube is Never Empty, MACS - Grand-Hornu (Hornu, 2025). Imágenes: Isabelle Arthuis.
[Coloreadas] John Baldessari, Hands Framing New York (2022). 24,7 x 31,3 cm.
[Coloreadas] Bas Jan Ader, I’m too sad to tell you (2022). 33 x 41,3 cm.
[Coloreadas] Yves Klein, Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (2022). 51 x 61 cm.
[Coloreadas] Mladen Stilinović, Artist at Work (2022). 45 x 54,5 cm.
[Coloreadas] Valie Export, Eros/ion (2022). 29 x 35,6 cm.
[Coloreadas] Fina Miralles, El cuerpo cubierto de paja (2022). 43,3 x 33 cm.
[Coloreadas] Yoko Ono, Cut Piece (2022). 37,5 x 32,5 cm.
[Coloreadas] Jiri Kovanda, XXX – November 19 (2022). 24 x 34,5 cm.
[Coloreadas] Marina Abramović & Ulay, Imponderabilia (2022). 52,5 x 53 cm.
[Colored] Trisha Brown, Roof Piece (2024) 36,5 x 49 cm.
[Colored] Robert Morris with Carolee Schneemann, Site (2023) 28,5 x 31,5 cm.
[Colored] Peter Moore, Simone Forti (2023) 29 x 34,5 cm.
[Colored] Piero Manzoni, Scultura viviente (2023) 31 x 32,4 cm.
Vistas generales y detalles de la exposición Cristina Garrido. Pinturas, The Goma (Madrid, 2022). Imágenes: Roberto Ruiz.
[Coloreadas] Carole Schneeman, Interior Scroll (2022). 35 x 27,5 cm.
[Coloreadas] Gordon Matta-Clark, Splitting (2022). 56 x 65 cm.
Vistas generales de la exposición Cristina Garrido. The White Cube is Never Empty, MACS - Grand-Hornu (Hornu, 2025). Imágenes: Isabelle Arthuis.
[Coloreadas] John Baldessari, Hands Framing New York (2022). 24,7 x 31,3 cm.
[Coloreadas] Bas Jan Ader, I’m too sad to tell you (2022). 33 x 41,3 cm.
[Coloreadas] Yves Klein, Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (2022). 51 x 61 cm.
[Coloreadas] Mladen Stilinović, Artist at Work (2022). 45 x 54,5 cm.
[Coloreadas] Valie Export, Eros/ion (2022). 29 x 35,6 cm.
[Coloreadas] Fina Miralles, El cuerpo cubierto de paja (2022). 43,3 x 33 cm.
[Coloreadas] Yoko Ono, Cut Piece (2022). 37,5 x 32,5 cm.
[Coloreadas] Jiri Kovanda, XXX – November 19 (2022). 24 x 34,5 cm.
[Coloreadas] Marina Abramović & Ulay, Imponderabilia (2022). 52,5 x 53 cm.
[Colored] Trisha Brown, Roof Piece (2024) 36,5 x 49 cm.
[Colored] Robert Morris with Carolee Schneemann, Site (2023) 28,5 x 31,5 cm.
[Colored] Peter Moore, Simone Forti (2023) 29 x 34,5 cm.
[Colored] Piero Manzoni, Scultura viviente (2023) 31 x 32,4 cm.